Persona beginnt mit einem Projektor und einer Leinwand voller Bilder: ein Kreuzigungsszenario, eine Spinne, ein geschlachtetes Lamm, ein Junge, der in einem Krankenhaus oder Leichenschauhaus aufwacht, ein verschwommenes Bild von zwei Frauen. Diese Eröffnungsszene setzt die Bedingungen des Films: nicht eine geradlinig erzählte Geschichte, sondern eine Collage von Fragmenten, die dazu bestimmt sind, den Zuschauer zu verunsichern, bevor die Hauptfiguren überhaupt erscheinen. Dann kommt Alma, eine junge Krankenschwester, in eine Krankenhausstation, um Elisabet Vogler zu betreuen, eine berühmte Schauspielerin, die aufgehört hat zu sprechen und sich zu bewegen. Der Film erklärt nie, warum. Alma spricht ständig mit Elisabet, aber es gibt keine Antwort.
Ingmar Bergman schrieb und inszenierte Persona 1965, gedreht in Stockholm und auf der Insel Fårö. In den Hauptrollen spielen Bibi Andersson als Alma und Liv Ullmann als Elisabet Vogler. Der Film dauert 85 Minuten und wird Bergmans persönlichstes Werk genannt. Sein Ruf beruht auf seiner Weigerung, sich zu erklären: der Dualismus zwischen den beiden Frauen, das Verschwimmen ihrer Identitäten und die Frage, ob Elisabet überhaupt eine Patientin ist oder einfach ein Spiegel für Almas eigene Ängste und Wünsche.
Trailer, über die Austin Film Society.
Die Krankenschwester und die Schauspielerin
Alma ist der Anker des Films. Sie ist eine junge Frau, die ihre Krankenpflegeausbildung gerade abgeschlossen hat, mit Karl-Henrik verlobt ist und noch nie das Gefühl hatte, gehört zu werden. Sie spricht mit Elisabet über ihren Verlobten, ihre erste Affäre und ein Sonnenbadevorfall mit einer Frau namens Katarina, der in einen Orgy und eine Schwangerschaft endete. Alma fühlt sich schuldig wegen der Abtreibung, die folgte. Sie ist aufrichtig, vertrauensvoll und zutiefst einsam.
Elisabet Vogler ist das Gegenteil. Sie ist eine berühmte Schauspielerin, die aufgehört hat zu sprechen, obwohl die Ärzte feststellen, dass ihre Stille von Willenskraft und nicht von Krankheit herrührt. Sie ist verstört von den Fernsehbildern eines Mannes, der sich in Vietnam selbst anzündet. Sie reißt ein Foto ihres Sohnes aus einem Brief, den ihr Ehemann ihr schickte. Wenn der Arzt vorschlägt, sie in ein Häuschen am Meer zu schicken, um sich zu erholen, willigt sie ein. Dort verbringt sie ihre Tage schweigend, bewegungslos, den Blick an die Wand gerichtet.
Der Film lässt offen, ob Elisabet ihre Krankheit vortäuscht. Diese Mehrdeutigkeit ist gewollt. Bergman konstruiert den Film als eine Studie über das Zusammenwachsen zweier Identitäten: Almas Stimme, ihre Geschichten, ihre Ängste, beginnen in Elisabets Stille zu sickern. Gegen Ende des Films ist unklar, wer mit wem spricht.
Das Haus und der Streit
Im Haus liest Alma einen Brief von Elisabets Ehemann, Herrn Vogler, und findet ein Foto ihres Sohnes. Sie reißt es wütend auf, weil Elisabet sie als Vertraute benutzt hat. Im resultierenden Streit droht Alma Elisabet mit kochendem Wasser, hält jedoch davon ab, als Elisabet sie anfleht, es nicht zu tun. Es ist das erste Mal, dass Alma sicher ist, Elisabet habe seit ihrer Begegnung gesprochen, obwohl sie dachte, Elisabet habe ihr bereits geflüstert.
Der Streit ist der Höhepunkt der Spannung des Films. Almas Zorn ist echt, aber er ist auch eine Reaktion auf ihre eigene Angst: sie hat alles vor Elisabet ausgepackt und kann nun nicht mehr sagen, ob Elisabet zuhört oder sie verspottet. Die Drohung mit Gewalt ist plötzlich und schockierend und durchbricht den ruhigen Rhythmus der früheren Szenen.
Rauch und Spiegel
Der Film besteht aus einer Handvoll Szenen, die den größten Teil seiner Bedeutung tragen:
- Die Eröffnungsszenen mit dem Projektor, die die Collage-Technik des Films einführen.
- Almas Geständnis gegenüber Elisabet über ihre erste Affäre und die Abtreibung.
- Der Streit im Haus, bei dem Almas Zorn ausbricht.
- Der letzte Schuss, der das Publikum unsicher lässt, ob die beiden Frauen vollständig verschmolzen sind.
Jede dieser Szenen verwendet Nahaufnahmen, lange Einstellungen und minimale Dialoge, um ein Gefühl des Entsetzens zu erzeugen. Der Film verlässt sich nicht auf Spektakel. Er verlässt sich auf die langsame Anhäufung von Beklemmung.
Bergman drehte den Film mit Andersson und Ullmann im Hinterkopf für die Hauptrollen, und das Paar entstand aus einem früheren Projekt, das Bergman aufgab, nachdem er erkrankt war. Ullmann sagte, ihr Gesicht sei zu dem geworden, das Bergman wollte, weil es vermitteln konnte, was er sagen wollte. Dieser Zuschnitt machte sie zu der Person, mit der er arbeiten wollte. Steve Vineberg schrieb, Bergman habe seine frühere Verwendung von Ensembles in Filmen wie „Sommernachtstraum“ aufgegeben und sich stattdessen auf zwei Hauptrollen konzentriert.
Der Prolog und die letzte Einstellung )
Der Prolog gibt den Ton an. Ein Projektor zeigt eine Reihe von Bildern: eine Kreuzigung, eine Spinne, das Schlachten eines Lammes, ein Junge, der in einem Krankenhaus oder Leichenschauhaus aufwacht, und ein verschwommenes Bild von zwei Frauen. Diese Bilder werden nicht erklärt. Sie werden einfach präsentiert, und der Film fordert den Zuschauer auf, mit ihnen zu verweilen. Die Sequenz ist in ihrem Ansatz avantgardistisch und bereitet das Publikum auf einen Film vor, der keine einfachen Antworten liefern wird.
Die letzte Einstellung ist ebenso mehrdeutig. Sie zeigt zwei Frauen, die nebeneinander sitzen, ihre Gesichter fast berührend. Die Kamera hält auf sie, und der Film endet ohne Auflösung. Der Zuschauer bleibt zurück und fragt sich, ob die beiden Frauen eins geworden sind oder ob Alma einfach in Elisabets Stille zusammengebrochen ist.
Alles, was man über Persona sagt, kann widerlegt werden; das Gegenteil wird ebenfalls zutreffen.
Peter Cowie, Filmhistoriker )
Die Kritische Rezeption )
Persona ist vielen kritischen Analysen, Interpretationen und Debatten unterzogen worden. Seine Erforschung von Dualität, Wahnsinn und persönlicher Identität wurde mit Jungschen Theorien der Persona in Verbindung gebracht. Kritiker haben den Film mit Themen des Filmemachens, Vampirismus, Homosexualität, Mutterschaft und Abtreibung in Verbindung gebracht. Der experimentelle Stil seines Prologs, der Erzählweise und des Endes wurde wiederholt hervorgehoben.
Der Film wird als der Mount Everest der filmischen Analyse bezeichnet. Cowies Zitat erfasst die Schwierigkeit, ihn zu fassen: jede Lektüre kann widerlegt werden, und auch die entgegengesetzte Lektüre ist wahr.
Der Ensemble-Cast )
Der Nebencast ist klein. Margaretha Krook spielt die Ärztin, und Gunnar Björnstrand spielt Herrn Vogler. Beide treten kurz auf, und Vineberg beschrieb ihre Rollen als „verkürzte Gastauftritte“. Bergman besetzte Jörgen Lindström als Elisabets Sohn, nachdem er mit ihm 1963 in seinem Film Das Schweigen gearbeitet hatte. Lindström, geboren 1951, war ein Kinderdarsteller, der Kinder in anderen Filmen spielte.
Zu den Credits des Films gehört Archivmaterial von Thích Quảng Đức, dem sich selbst verbrennenden Mönch aus Vietnam. Sein Bild erscheint in der Krankenhausszene und ist eine der wenigen konkreten Bezüge zur weiteren Welt.
Was Persona gut macht )
Persona gelingt es, weil es sich voll und ganz seiner zentralen Frage widmet. Es erklärt nicht, warum Elisabet aufgehört hat zu sprechen, und es löst den Kampf in der Hütte nicht auf. Stattdessen lässt es die Spannung wirken und brodeln. Der Film vertraut dem Zuschauer über, Bedeutung in den Bildern, den Stillehalten und den Wiederholungen zu finden.
Die schauspielerischen Leistungen sind unerlässlich. Andersson spielt Alma mit einer nervösen Energie, die an Hysterie grenzt, während Ullmann Elisabet mit einer Stille spielt, die im Laufe der Zeit beängstigend wird. Ihre Chemie ist elektrisch, und der Film würde ohne sie zusammenbrechen.
Auch die technischen Innovationen des Films verdienen Beachtung. Bergman und sein Team experimentierten mit Spiegeln und Rauch, um eine Szene zu inszenieren, und kombinierten die Gesichter der Hauptfiguren in der Postproduktion für eine weitere. Diese Effekte sind subtil, aber sie verstärken das zentrale Thema des Films: die Auflösung der Identität.
Wo es zu kurz kommt
Persona ist kein einfacher Film. Seine Weigerung, sich selbst zu erklären, kann frustrierend wirken, besonders im mittleren Abschnitt, in dem das Tempo fast zum Stillstand kommt. Einige Zuschauer werden das Fehlen einer Auflösung als Fehler ansehen, nicht als Stärke. Der Film verlangt Geduld, und nicht jeder ist bereit, sie zu geben.
Der Ruf des Films als Meisterwerk hat dazu geführt, dass einige Zuschauer mehr erwarten, als das Material bietet. Die Themen sind reichhaltig, aber die Umsetzung entspricht nicht immer den Ambitionen. Der letzte Shot, insbesondere, wurde unaufhörlich gelobt, bietet aber keine Auflösung.
Das Urteil
Persona ist ein anspruchsvoller Film und belohnt Geduld. Er ist nicht für jeden geeignet, aber er ist ein Meilenstein in Bergmans Karriere und des gesamten Kinos. Die Bereitschaft des Films, Fragen unbeantwortet zu lassen, ist selten und macht das Erlebnis unvergesslich.
Der Ruf des Films ist verdient, aber er ist nicht perfekt. Es ist ein großartiger Film, nicht ein makelloser.
Wertung: 8,1/10
Die Größe des Films liegt in seiner Weigerung, sich selbst zu erklären, nicht in seiner Bereitschaft, erklärt zu werden.
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