Das Poster House in New York City zeigt eine neue Ausstellung, die Designer indigener Abstammung in den Mittelpunkt rückt. „Designed to Be Red: Native American & Indigenous Poster Works“ ist vom heutigen Tag bis zum 21. Februar 2027 zu sehen. Die Ausstellung stammt von Brian Johnson, einem Designer der Monacan Indian Nation, der nach einem Vortrag im Museum im November 2022 mit der Kuratierung beauftragt wurde.
Johnsons Vortrag mit dem Titel „Posters That Sing: Notes on Indigenous Poster Design“ führte direkt zu dem Auftrag. Die Ausstellung ist das Ergebnis jahrelanger Arbeit seitdem und umfasst mehr als 100 Jahre visueller Geschichte. Johnson hat außerdem ein umfangreicheres Begleitbuch, „Designed to Be Red: Native American & Indigenous Graphic Works“, geschrieben, das im Museumsshop erhältlich ist.
Johnsons Mission
Die Ausstellung entstand aus einer Frage, die Johnson oft von jungen Designern indigener Abstammung gestellt bekommt. „Native Studenten und Freunde fragen mich: ‚Wo sind unsere Bücher? Welche Werke sollten meine Arbeit antreiben und inspirieren?'“, sagte er. „Diese Ausstellung ist meine Antwort.“
Die Ausstellung stellt kolonialistische Erzählungen über Design in Frage. Sie zeigt, dass indigene Perspektiven schon immer im Zentrum des Fachgebiets standen. Ob psychedelische Plakate, Protestkunst oder öffentliche Bekanntmachungen – Native Designer haben die Art und Weise beeinflusst, wie wir die Welt sehen. Die Ausstellung plädiert außerdem für indigene Freude, kreative Souveränität und anhaltenden Einfluss bis in die Gegenwart.
Fünf Abschnitte, Eine Botschaft
Die Ausstellung ist in fünf Abschnitte unterteilt:
- „Indigenous Joy“ (Indigene Freude)
- „Creative Sovereignty“ (Kreative Souveränität)
- „Resistance and Protest“ (Widerstand und Protest)
- „It’s Complicated“ (Es ist kompliziert)
- „Extractive Marketing“ (Extraktives Marketing)
Jeder Abschnitt erzählt einen anderen Teil der Geschichte. „Indigenous Joy“ feiert exzentrisches Design. „Creative Sovereignty“ zeigt die Stärke der Identität der indigenen Bevölkerung. „Resistance and Protest“ dokumentiert Aktivismus in Fragen wie der Dakota Access Pipeline und vermissten und ermordeten indigenen Frauen. „It’s Complicated“ befasst sich mit dem gemischten Erbe der Darstellung der indigenen Bevölkerung in der Populärkultur. „Extractive Marketing“ untersucht, wie indigene Bilder kommerziell genutzt wurden.
Was die Ausstellung zeigt
Die Ausstellung umfasst einen gespannten Tierpelz mit der Erklärung zur indigenen Besetzung von Alcatraz. Es gibt Plakate von den Protesten gegen die Dakota Access Pipeline. Es gibt Arbeiten, die das Bewusstsein für vermisste und ermordete indigene Frauen schärfen. Andere Plakate feiern die Freude der indigenen Bevölkerung, darunter eine Wahlkampagne aus den 1990er Jahren und eine indigenen Hommage an das Marvel Cinematic Universe.
Johnsons Kuratierung zeigt, dass das Leben der indigenen Bevölkerung nicht durch Kampf definiert ist. Die Ausstellung präsentiert ein vollständiges Bild des zeitgenössischen amerikanischen Ureinwohnerlebens, mit all seinen Fehlern.
Der Abschnitt „Extractive Marketing“
Der Abschnitt „Extractive Marketing“ ist vom Rest der Ausstellung abgegrenzt. Die Besucher werden absichtlich nach dem Betrachten zurück zu „Indigenous Joy“ geleitet. Im Inneren zeigt der Abschnitt einige der populärsten – und problematischsten – Plakate der Sammlung.
Ein Plakat verwendet einen Stillstand aus der berüchtigten Fernsehwerbung „crying Indian“ aus dem Jahr 1971. Der Abschnitt ist so konzipiert, dass die Besucher darüber nachdenken, wie indigene Bilder in der Vermarktung und in den Medien verwendet wurden.
Schlüsselpersonen in der Ausstellung
Die Ausstellung zeigt Arbeiten von mehreren bekannten Künstlern:
| Künstler | Hintergrund |
|---|---|
| Kent Monkman | Fish River Cree Nation) |
| Jeffrey Gibson) | Mississippi Choctaw/Cherokee) |
| SIYO-WIN) | Dakota Sioux/Mexican) |
Diese Künstlerinnen und Künstler repräsentieren unterschiedliche Generationen und Stile. Ihre Arbeiten sind über die Ausstellungsbereiche verteilt und zeigen, wie sich indigene Gestaltung im Laufe der Zeit entwickelt hat.
Warum die Ausstellung wichtig ist)
Johnsons Ansatz ist bewusst modern. Er möchte, dass die Ausstellung von der Art und Weise abweicht, wie größere Institutionen Werke indigener Künstler ausstellen. „Die Vergangenheit wird als Waffe eingesetzt, um uns in Museumsdioramen zu verweilen“, sagte er.
Die Ausstellung ist in ihrer Präsentation rigoros. Sie behandelt indigene Designer als aktuelle Praktiker. Dieser Unterschied ist der springende Punkt. Die Ausstellung handelt nicht von der Bewahrung einer Erinnerung; sie dokumentiert eine lebendige Praxis.
Das Buch und wie man es betrachtet)
Das Begleitbuch „Designed to Be Red: Native American & Indigenous Graphic Works“ ist im Museumsshop erhältlich. Es erweitert die Themen der Ausstellung und bietet mehr Kontext für die ausgestellten Plakate.
Das Buch ist eine direkte Antwort auf die Frage, die Johnson von Studierenden hört. Es liefert das Lesematerial, das von indigenen Designerinnen und Designern gefordert wird.
Die Ausstellung ist bis Februar 2027 in Poster House in New York City zu sehen. Besucher können weitere Informationen auf posterhouse.org finden.
Die Ausstellung dokumentiert das zeitgenössische Leben von indigenen Amerikanern. Sie ist zudem eine Korrektur der Art und Weise, wie indigene Völker in der Designgeschichte dargestellt wurden. Johnsons Ausstellung vertritt eine einfache These: Indigene Amerikaner leben noch. Wir gestalten.
Die Ausstellung erinnert daran, dass indigene Perspektiven schon immer zentral für das Design waren. Sie zeigt, dass indigene Designer seit Jahrzehnten beeinflussen, wie wir die Welt sehen, und das tun sie bis heute weiterhin.
Quelle: „New Poster Exhibition Showcases the Importance and Impact of Indigenous Designers“, Hyperallergic.
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