‚Cameron Winter at Carnegie Hall‘: Andersons Askese und Winters Düsternis wirken zusammen.

Paul Thomas Anderson hat einen Konzertfilm gedreht, und zwar auf die denkbar schwierigste Art und Weise. Cameron Winter in der Carnegie Hall dauert 72 Minuten, und fast alles davon spielt sich im Raum ab, in dem Winter auftritt. Die Kamera sitzt dem Sänger nahe, das Licht bleibt gedämpft, und die Songs fließen ineinander, bis das Ganze wie ein langer, stiller Zauber wirkt. Es funktioniert.

Winter ist der Leadsänger der Geese, und dieses Konzert fand im Dezember 2025 in der Carnegie Hall in New York City statt. Der Film feierte seine Premiere auf dem New York Film Festival und läuft nun in ausgewählten Kinos im ganzen Land mit 35-mm-Projektion. Anderson drehte ihn selbst und arbeitete als Regisseur und Kameramann, und das Ergebnis ist ein bewusst schlichtes Dokument eines Mannes allein auf einem Flügelhocker.

Winters Auftritt in der Carnegie Hall

Winter war zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 23 Jahre alt, und er spielt wie jemand, der Jahre damit verbracht hat, Miles Davis zu studieren. Er sitzt an einem Steinway-Flügel, abgewandt vom Publikum, und spricht kaum zwischen den Songs. Das Set umfasst Tracks von seinem Debüt-Soloalbum Heavy Metal, darunter „Cancer of the Skull“, „Take It With You“ und „If You Turn Back Now“. Die Songs sind keine leichte Kost, und die Texte beziehen sich auf den Teufel, Jesus, Gott und Brian Jones von den Rolling Stones.

Winters Stimme ist der Hauptanziehungspunkt. Er singt in einem tiefen, geisterhaften Bariton mit gelegentlichen Ausbrüchen in den Falsett und klingt oft verloren in Trance. Wenn er vom Klavier aufsteht und scheinbar einen Ausweg aus dem Raum sucht, bricht das Publikum in Gelächter aus – ein Moment der Erleichterung nach einer langen Phase düsterer Musik.

Die Songs neigen dazu, ineinander überzugehen, weil sie eine ähnliche Form teilen. Winters Stil, der an Nick Cave erinnert, basiert auf Wiederholung und gesprochener Vortragsweise, und das Fehlen von Melodie bedeutet, dass einzelne Stücke beginnen, ineinander überzugehen. Der Film bezeichnet den Effekt als „monoton“, und dieses Wort trifft die Erfahrung, die man bekommt, wenn man das gesamte Konzert mitverfolgt.

Andersons Kameraarbeit

Anderson gleicht Winters Zurückhaltung mit seiner eigenen. Es gibt eine kurze Eröffnungssequenz, in der zu sehen ist, wie Besucher ihre Tickets am Eingang scannen lassen, aber ansonsten gibt es keine Szenen hinter den Kulissen, keine Interviews. Der Film zeigt einfach das Konzert von Anfang bis Ende, mit Nahaufnahmen von Winters Gesicht und Händen sowie gelegentlichen Aufnahmen von der Decke der Halle und dem hinteren Teil der Bühne. An einem Punkt verfolgt die Kamera eine Person, die die Gasse in Richtung der Bühne entlanggeht und eine Hand hebt und senkt.

Die Beleuchtung bleibt während des gesamten Films dunkel, was Winters Gesichtszüge teilweise verbirgt. Er neigt oft den Kopf so weit, dass seine Stirn die Klaviertasten während der Instrumentalpassagen fast berührt. Der Effekt ist intim, aber auch distanziert — der Zuschauer sieht Winter deutlich, aber die schattige Umgebung hält ihn von der Menge getrennt.

Das Encore endet mit einer Titelsequenz, die Winter als „Mit 23 gestorben“ bezeichnet, als ob der Film ihn bereits als Legende betrachtet, bevor er die Tour beendet hat. Der Witz zündet, aber er weist auch auf die seltsame Position hin, in der sich Winter in so jungem Alter befindet.

Die Lieder und ihre Texte

Winters Texte sind der dunkelste Teil der Show. Viele von ihnen beziehen sich auf Tod, Religion und Popkultur, und sie bleiben oft vage genug, dass der Zuhörer raten muss, was sie bedeuten. Das Lied „Vines“ ist eine Ausnahme — wenn Winter singt: „Ich fühle mich am einsamsten, wenn ich bei dir bin“, ist die Botschaft klar. In „Take It With You“ singt er darüber, ein Andenken seiner Geliebten am Fenster in der Küche gefunden zu haben und sagt ihr, sie solle es mitnehmen, wenn sie geht.

Das sind keine angenehmen Lieder. Sie sind Lieder über Verlust, Wut und Isolation, die mit einer bewussten Theatralik vorgetragen werden, die sie eher wie Performance Art als wie Popmusik erscheinen lässt. Der Film beschreibt den Stil als „incantatorisch“, was die Art und Weise erfasst, wie Winter Zeilen und Phrasen wiederholt, bis sie sich wie ein Ritual anfühlen.

Who Made This Happen

Der Film stammt von Ghoulardi Film Company und Out for the Count, wobei die Distribution von Janus Films übernommen wird. Anderson arbeitete allein an der Regie und der Kameraarbeit, wobei der Editor Andy Jurgensen das Schneiden übernahm. Zu den Produzenten gehören Sara Murphy, Erica Frauman und Maggie Ambrose, und die ausführenden Produzenten sind Jonathan Weiner, Meredith Crowley, Kerstin Emhoff und Dan Janvey.

Dieses Produktionsteam hielt das Projekt klein und fokussiert. Es gibt kein Spektakel mit großem Budget, sondern nur Andersons Vision für einen Konzertfilm, der sich anfühlt, als wäre man im Raum dabei.

Was das für Fans bedeutet

Für alle, die Winter bereits live gesehen haben, ist der Film eine Chance, die Erfahrung wieder aufleben zu lassen. Für diejenigen, die ihn noch nicht gesehen haben, ist es eine seltsame Einführung – ein Mann in fast völliger Dunkelheit, der über Tod und Einsamkeit singt, ohne jemals nach Trost zu greifen. Die Songs sind nicht leicht zu ertragen, und der Film räumt damit ein. Aber die Intimität ist echt.

Andersons Verzicht darauf, etwas hinzuzufügen, das über das Konzert hinausgeht, ist der springende Punkt. Es gibt keinen Kommentar, keine Hintergrundgeschichte, keine Erklärung. Der Zuschauer bleibt mit dem Klang von Winters Stimme und dem Schatten seines Klaviers zurück, und das ist genug.

Urteil: „Cameron Winter at Carnegie Hall“ ist ein anspruchsvoller Film, aber auch ein lohnender. Andersons Askese und Winters Düsternis wirken zusammen, selbst wenn die Songs ineinander übergehen. Es ist ein seltsames, schönes Ding zu sehen.

Quellenmaterial: „‘Cameron Winter at Carnegie Hall’ Review: Paul Thomas Andersons Effectively Austere Concert Doc Puts You Right in the Room“, The Hollywood Reporter.