Sergio Leones Spiel mir das Lied vom Tod verdient seinen Ruf noch immer

Spiel mir das Lied vom Tod ist ein Film über das Ende einer Ära und wirkt wie ein Requiem für den amerikanischen Westen. Sergio Leones Meisterwerk von 1968 ist kein traditioneller Western. Es ist eine Meditation über Macht, Gewalt und das langsame Sterben einer Lebensweise. Der Film dreht sich um drei Männer, die in eine Stadt reiten, um eine Eisenbahnurkunde einzufordern, und um die Frau, die gerade rechtzeitig eintrifft, um zum Objekt ihrer Begierde zu werden. Was folgt, ist eine spannungsgeladene, schöne und oft brutale Untersuchung des Wesens des Bösen und der stillen Stärke derer, die es ertragen.

Der Film beginnt mit einer langsamen, bedächtigen Einstellung eines Zuges, der in einen Bahnhof einfährt. Ein Mann sitzt auf einem Felsen und wartet auf die Ankunft von jemandem, von dem er glaubt, dass er ihm Geld schuldet. Die Spannung steigt, als der Zug näher kommt, und als der Mann schließlich aufsteht, verweilt die Kamera lange genug auf ihm, damit das Publikum seine Verzweiflung spürt. Dies ist die erste Lektion von Leones Stil: Geduld zahlt sich aus. In Spiel mir das Lied vom Tod geschieht nichts schnell, und jeder Moment ist verdient.

Trailer, via Paramount Movies.

Der Mann in Schwarz

Der Mann, der die Urkunde einfordert, ist Frank (Henry Fonda), ein skrupelloser Killer mit einem Ruf, der ihm vorauseilt. Er ist ein Bösewicht einer Art, wie man sie in Hollywood selten sieht, und seine Besetzung ist eine bewusste Untergrabung des Genres. Henry Fonda hatte seine Karriere damit verbracht, gute Kerle zu spielen, und ihn als Antagonisten zu besetzen, war ein kühner Schachzug. Frank ist kein charismatischer Bösewicht. Er ist kalt, berechnend und völlig ohne Gewissen. Seine Anwesenheit im Film ist eine ständige Bedrohung, und seine Szenen gehören zu den erschreckendsten der Filmgeschichte.

Frank wird von zwei anderen Männern begleitet, Morton (Lee Van Cleef) und Cheyenne (Jack Elam). Morton ist ein professioneller Killer, ein Mann weniger Worte, der den Wert der Stille versteht. Cheyenne ist ein buckliger Trunkenbold, der mit krächzender Stimme spricht. Zusammen bilden die drei ein Trio der Bedrohung, das den frühen Teil des Films dominiert. Ihr Plan ist einfach: die Urkunde einfordern, jeden töten, der ihnen in die Quere kommt, und die Stadt verlassen. Doch ihre Pläne werden durch die Ankunft einer Frau namens Jill (Claudia Cardinale) durchkreuzt.

Jill ist eine Prostituierte, die die Urkunde geerbt hat. Sie erreicht die Stadt genau in dem Moment, als Frank und seine Männer eintreffen, und sie wird zum Dreh- und Angelpunkt, um den sich die gesamte Handlung dreht. Ihr Auftritt ist eine Offenbarung. Sie ist schön, selbstbewusst und völlig furchtlos. Sie geht durch die Stadt, ignoriert die Männer, die sie anzüglich anstarren, und sie übernimmt die Kontrolle über die Situation. Ihre Beziehung zu Frank ist das Herz des Films, und sie ist eine seltsame und fesselnde Dynamik. Sie ist keine Jungfrau in Nöten, und sie ist keine Liebesinteresse im traditionellen Sinne. Sie ist eine Überlebende, und sie weiß genau, was sie will.

Harmonica und das finale Duell

Der dritte Mann in der Geschichte ist Harmonica (Charles Bronson), ein mysteriöser Fremder, der stets eine Mundharmonika bei sich trägt. Er ist die einzige Figur im Film, die zu verstehen scheint, warum sie tut, was sie tut. Er jagt Frank, und er jagt ihn seit Jahren. Der Grund wird nie vollständig erklärt, aber es ist klar, dass ein persönliches Interesse im Spiel ist. Harmonica ist ein Mann der wenigen Worte, und seine Stille ist ebenso aufschlussreich wie seine Reden.

Die finale Konfrontation zwischen Harmonica und Frank ist das Herzstück des Films. Es ist eine lange, spannungsgeladene Szene, die zu einem brutalen Ende führt. Die beiden Männer stehen sich im Regen gegenüber, und die Kamera hält auf ihren Gesichtern, während sie Beleidigungen und Drohungen austauschen. Die Szene ist eine Meisterklasse in Sachen Spannung, und sie ist ein passender Abschluss für einen Film, der seine gesamte Laufzeit darauf hingearbeitet hat. Die Auflösung ist ambivalent, und sie lässt den Zuschauer noch lange nach dem Abspann nachdenken.

Die Musik und das Tempo

Leones Einsatz von Musik ist eine weitere Ebene der Größe des Films. Die von Ennio Morricone komponierte Musik ist eine Reihe von Leitmotiven, die das Geschehen auf der Leinwand untermalen. Das Mundharmonika-Motiv ist zentral für den Film, und es kehrt im Verlauf der Handlung immer wieder. Die Musik ist spärlich, aber sie ist wirkungsvoll. Sie trägt zur Spannung und zur Emotion der Szenen bei. Auch das Sounddesign ist bemerkenswert. Das Klirren der Sporen, das Knarren von Türen und das ferne Geräusch eines Zuges werden genutzt, um ein Gefühl von Ort zu erzeugen.

Das Tempo des Films ist Gegenstand von Debatten. Manche Zuschauer empfinden die langsamen Einstellungen und die langen Takes als langweilig. Andere halten sie für wesentlich für das Erlebnis. Der Film dauert über zwei Stunden und bewegt sich bedächtig. Es gibt Szenen, die das Gefühl vermitteln, nirgendwohin zu führen, aber sie bauen auf etwas hin. Die Auflösung kommt im letzten Akt, und es lohnt sich zu warten. Der Film ist ein langsames Feuer, und er verlangt dem Zuschauer Geduld ab.

Die Stadt und die Eisenbahn

Die Stadt selbst ist eine Figur im Film. Sie ist ein staubiger, trostloser Ort, mit einem Bahnhof in ihrer Mitte. Die Eisenbahn ist der Grund für den Konflikt, und sie steht für Fortschritt. Die Männer, die hereingeritten kommen, sind Agenten dieses Fortschritts, und sie sind bereit, alles auf ihrem Weg zu zerstören, um zu bekommen, was sie wollen. Die Stadt wird von einigen einprägsamen Figuren bevölkert, darunter ein junger Junge namens Jason (Keenan Wynn) und ein Sheriff (Woody Strode), der versucht, Ordnung zu halten. Diese Figuren verleihen der Geschichte Tiefe, und sie lassen die Stadt bewohnt wirken.

Der Film ist ein Periodenstück, und er fängt den Look und das Gefühl des amerikanischen Westens im späten 19. Jahrhundert ein. Die Kostüme sind authentisch, und die Kulissen sind detailliert. Die Kameraarbeit ist atemberaubend, und sie nutzt das Breitbildformat voll aus. Der Film ist ein visuelles Fest, und es ist eine Freude, ihn anzusehen. Die Farbpalette ist gedämpft, mit Brauntönen und Gelbtönen, die das Bild dominieren. Die Beleuchtung ist dramatisch, und sie erzeugt ein Gefühl der Vorahnung. Der Film ist ein Kunstwerk, und er verdient es, auf der großen Leinwand gesehen zu werden.

Das Vermächtnis des Films

Once Upon a Time in the West ist ein Film, der unzählige Regisseure beeinflusst hat. Seine Zeitlupensequenzen, seine Nahaufnahmen und sein Einsatz von Stille sind alle Teil der Sprache des Kinos geworden. Der Film ist ein Meilenstein des Genres, und er steht neben anderen großen Western wie The Good, the Bad and the Ugly und High Noon. Es ist ein Film, der wiederholtes Ansehen belohnt, und er wird bis heute von Filmemachern studiert.

Der Film ist nicht perfekt. Einige der Nebenhandlungen sind unterentwickelt, und einige der Figuren sind eindimensional. Der Film ist außerdem sehr gewalttätig, und er ist nicht für jeden. Doch diese Schwächen sind gering im Vergleich zu den Stärken des Films. Die Darstellungen sind hervorragend, die Regie ist sicher, und das Drehbuch ist straff. Der Film ist ein Klassiker, und er verdient seinen Ruf.

Der Film endet mit einem Gefühl des Abschlusses, doch es ist ein bittersüßer. Die Ära des Cowboys ist vorbei, und die neue Welt naht. Der Film ist ein Abschied von einer Lebensweise, und er ist eine Hommage an die Menschen, die sie lebten. Er ist ein Film über die Vergangenheit, doch er ist auch ein Film über die Gegenwart. Er ist ein Film über die Natur der Menschheit, und er ist ein Film über die Kraft des Geschichtenerzählens.

• Die Darstellung von Henry Fonda als Frank ist ein karriereprägender Moment.
• Claudia Cardinale bringt ein Gefühl des Geheimnisvollen in die Rolle der Jill.
• Charles Bronson liefert als Harmonica eine kraftvolle Darstellung.
• Lee Van Cleef und Jack Elam vervollständigen die Besetzung als Morton und Cheyenne.
• Die Musik von Ennio Morricone ist ein Meisterwerk der Filmmusik.

Der Film ist ein Meisterwerk des Kinos. Er ist ein Film, der sowohl ein Produkt seiner Zeit als auch ein zeitloses Kunstwerk ist. Er ist ein Film, der es wert ist, gesehen zu werden, und er ist ein Film, der bewahrt werden sollte. Der Film ist eine Erinnerung an die Kraft des Westerngenres, und er ist eine Erinnerung an die Kraft der Vision des Regisseurs. Er ist ein Film, der mehr ist als die Summe seiner Teile, und er ist ein Film, über den noch Generationen sprechen werden.

8,2 von 10.