Once Upon a Time in the West, de Sergio Leone, sigue mereciendo su reputación

Hasta que llegó su hora es una película sobre el fin de una era, y se desarrolla como un réquiem por el Viejo Oeste estadounidense. La obra maestra de Sergio Leone de 1968 no es un western tradicional. Es una meditación sobre el poder, la violencia y la lenta muerte de una forma de vida. La película se estructura en torno a tres hombres que llegan a un pueblo para recoger la escritura de un ferrocarril, y la mujer que llega justo a tiempo para convertirse en el objeto de su deseo. Lo que sigue es un examen tenso, hermoso y a menudo brutal de la naturaleza del mal y la fuerza silenciosa de quienes lo soportan.

La película abre con una toma lenta y deliberada de un tren que entra en una estación. Un hombre está sentado sobre una roca, esperando la llegada de alguien que cree que le debe dinero. La tensión aumenta a medida que el tren se acerca, y cuando el hombre finalmente se pone de pie, la cámara se detiene en él el tiempo suficiente para que el público sienta su desesperación. Esta es la primera lección del estilo de Leone: la paciencia tiene su recompensa. Nada sucede rápidamente en Hasta que llegó su hora, y cada momento se gana.

Tráiler, vía Paramount Movies.

El hombre de negro

El hombre que recoge la escritura es Frank (Henry Fonda), un asesino despiadado con una reputación que lo precede. Es un villano de un tipo rara vez visto en Hollywood, y su elección de reparto es una subversión deliberada del género. Henry Fonda había pasado su carrera interpretando a tipos buenos, y elegirlo como antagonista fue una decisión audaz. Frank no es un villano carismático. Es frío, calculador y absolutamente sin conciencia. Su presencia en la película es una amenaza constante, y sus escenas son algunas de las más escalofriantes en la historia del cine.

Frank está acompañado por otros dos hombres, Morton (Lee Van Cleef) y Cheyenne (Jack Elam). Morton es un asesino profesional, un hombre de pocas palabras que entiende el valor del silencio. Cheyenne es un borracho jorobado que habla con una voz ronca. Juntos, los tres forman un trío de amenaza que domina la primera parte de la película. Su plan es simple: recoger la escritura, matar a cualquiera que se interponga en su camino y abandonar el pueblo. Pero sus planes se ven trastocados por la llegada de una mujer llamada Jill (Claudia Cardinale).

Jill es una prostituta que ha heredado la escritura. Llega al pueblo justo cuando Frank y sus hombres llegan, y se convierte en el eje sobre el que gira toda la trama. Su entrada es una revelación. Es hermosa, segura de sí misma y completamente intrépida. Camina por el pueblo, ignorando a los hombres que la miran lascivamente, y toma el control de la situación. Su relación con Frank es el corazón de la película, y es una dinámica extraña y cautivadora. No es una damisela en apuros, y no es un interés amoroso en el sentido tradicional. Es una superviviente, y sabe exactamente lo que quiere.

Harmonica y la confrontación final

El tercer hombre de la historia es Harmonica (Charles Bronson), un misterioso desconocido que lleva una armónica consigo en todo momento. Es el único personaje de la película que parece entender por qué hace lo que hace. Está cazando a Frank, y lo ha estado cazando durante años. La razón nunca se explica del todo, pero está claro que hay un interés personal involucrado. Harmonica es un hombre de pocas palabras, y sus silencios son tan reveladores como sus discursos.

La confrontación final entre Harmonica y Frank es la pieza central de la película. Es una escena larga y tensa que se construye hacia un desenlace brutal. Los dos hombres se enfrentan bajo la lluvia, y la cámara se detiene en sus rostros mientras intercambian insultos y amenazas. La escena es una clase magistral de tensión, y es un final adecuado para una película que ha pasado su duración construyendo hacia este momento. La resolución es ambigua, y deja al espectador pensando mucho después de que ruedan los créditos.

La música y el ritmo

El uso de la música por parte de Leone es otra capa de la grandeza de la película. La banda sonora, compuesta por Ennio Morricone, es una serie de leitmotifs que subrayan la acción en pantalla. El motivo de la armónica es central en la película, y se repite a lo largo de la narrativa. La música es escasa, pero es efectiva. Añade a la tensión y la emoción de las escenas. El diseño de sonido también es notable. El tintineo de las espuelas, el crujido de las puertas y el sonido distante de un tren se utilizan para crear una sensación de lugar.

El ritmo de la película es tema de debate. Algunos espectadores encuentran tediosos los planos lentos y las tomas largas. Otros los consideran esenciales para la experiencia. La película dura más de dos horas y avanza de manera deliberada. Hay escenas que parecen no llevar a ninguna parte, pero están construyendo algo. El desenlace llega en el acto final, y vale la pena esperar. La película es una combustión lenta y exige paciencia del espectador.

El pueblo y el ferrocarril

El pueblo mismo es un personaje de la película. Es un lugar polvoriento y desolado, con una estación de tren en su centro. El ferrocarril es la razón del conflicto y representa el progreso. Los hombres que llegan son agentes de ese progreso y están dispuestos a destruir todo a su paso para conseguir lo que quieren. El pueblo está poblado por unos pocos personajes memorables, entre ellos un niño llamado Jason (Keenan Wynn) y un sheriff (Woody Strode) que intenta mantener el orden. Estos personajes añaden profundidad a la historia y hacen que el pueblo se sienta habitado.

La película es un drama de época y captura la apariencia y la sensación del Viejo Oeste estadounidense a finales del siglo XIX. El vestuario es auténtico y los decorados son detallados. La cinematografía es impresionante y utiliza el formato de pantalla ancha en todo su potencial. La película es un festín visual y es un placer verla. La paleta de colores es apagada, con marrones y amarillos dominando el encuadre. La iluminación es dramática y crea una sensación de presagio. La película es una obra de arte y merece ser vista en la pantalla grande.

El legado de la película

Once Upon a Time in the West es una película que ha influido en innumerables directores. Sus secuencias en cámara lenta, sus primeros planos y su uso del silencio se han convertido en parte del lenguaje del cine. La película es un hito del género y se sitúa junto a otros grandes westerns como The Good, the Bad and the Ugly y High Noon. Es una película que recompensa el visionado repetido y sigue siendo estudiada por cineastas hoy en día.

La película no es perfecta. Algunas de las subtramas están poco desarrolladas, y algunos de los personajes son unidimensionales. La película también es muy violenta, y no es para todos. Pero estos defectos son menores en comparación con las fortalezas de la película. Las actuaciones son excelentes, la dirección es segura, y el guion es tenso. La película es un clásico, y merece su reputación.

La película termina con una sensación de cierre, pero es agridulce. La era del vaquero ha terminado, y el nuevo mundo está llegando. La película es una despedida a una forma de vida, y es un tributo a las personas que la vivieron. Es una película sobre el pasado, pero también es una película sobre el presente. Es una película sobre la naturaleza de la humanidad, y es una película sobre el poder de contar historias.

• La actuación de Henry Fonda como Frank es un momento que define su carrera.
• Claudia Cardinale aporta un sentido de misterio al papel de Jill.
• Charles Bronson ofrece una actuación poderosa como Harmonica.
• Lee Van Cleef y Jack Elam completan el reparto como Morton y Cheyenne.
• La banda sonora de Ennio Morricone es una obra maestra de la música de cine.

La película es una obra maestra del cine. Es una película que es tanto un producto de su tiempo como una obra de arte atemporal. Es una película que vale la pena ver, y es una película que debería preservarse. La película es un recordatorio del poder del género del Western, y es un recordatorio del poder de la visión del director. Es una película que es mayor que la suma de sus partes, y es una película de la que se seguirá hablando por generaciones venideras.

8,2 de 10.