Lars von Triers Melancholia beginnt mit einem Pferd, das in einen See stürzt, einer Hochzeitsfeier, die ins Chaos abgleitet, und einem vagabundierenden Planeten namens Melancholia, der auf die Erde zusteuert. Der Film ist eine Tragödie in zwei Teilen, jeder Abschnitt nach einer seiner beiden Hauptfiguren benannt: Justine und Claire. Kirsten Dunst spielt Justine, die Braut, deren Hochzeitstag zum Albtraum wird, und Charlotte Gainsbourg spielt Claire, ihre Schwester, die das Ende der Welt aus der Ferne beobachtet. Der Film handelt nicht wirklich von der Kollision selbst. Er handelt davon, was mit zwei Schwestern geschieht, wenn der Boden unter ihnen aufhört, sich zu drehen.
Der Film wurde am 18. Mai 2011 bei den 64. Internationalen Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt, wo Dunst den Preis als beste Schauspielerin gewann. Die Kritiker lobten die schauspielerischen Leistungen durchweg, wobei Dunsts Leistung als herausragend hervorgehoben wurde. Der Film wurde zudem in die BBC-Umfrage von 2016 zu den besten Filmen seit 2000 aufgenommen, neben von Triers früherem Werk Dogville. Seither ist er in zahlreichen Listen der besten Filme des 21. Jahrhunderts erschienen.
Trailer, via Curzon.
Justines Hochzeit
Der erste Teil des Films folgt Justine, einer jungen Frau, die gerade ihren Verlobten Michael geheiratet hat, gespielt von Alexander Skarsgård. Die Hochzeit ist eine Katastrophe. Der Ort ist falsch, das Essen ist verdorben, die Gäste sind unhöflich, und Justine selbst scheint in einem Nebel aus Angst und Depression verloren. Ihre Schwester Claire, gespielt von Gainsbourg, versucht einzugreifen, doch Justines Abwärtsspirale ist zu tief, um sie aufzuhalten. Der Tag endet mit einer Szene des Zusammenbruchs, im wörtlichen und im übertragenen Sinne, als die Braut vor aller Augen auseinanderbricht.
Dunst liefert eine Leistung von erschöpfter, fragiler Brillanz. Sie spielt Justine als eine Frau, die jahrelang vorgespielt hat, glücklich zu sein, und nun ist die Fassade zerbrochen. Ihr Gesicht verzeichnet jede kleine Niederlage, jeden Blick des Erkennens von einem Fremden, jeden Moment, in dem die Welt ihre Erwartungen nicht erfüllt. Der Film ist ein Porträt eines Nervenzusammenbruchs in Zeitlupe, und Dunst lässt ihn echt wirken.
Claires Ruhe
Der zweite Teil wendet sich Claire zu, die mit ihrem Mann John, gespielt von Kiefer Sutherland, und ihrem Sohn Leo, gespielt von Cameron Spurr, auf einem großen Anwesen lebt. Claire ist eine Planerin, eine Frau, die Dinge mit Präzision und Kontrolle arrangiert. Als sie erfährt, dass Melancholia auf Kollisionskurs mit der Erde ist, gerät sie nicht in Panik. Sie baut einen Bunker, legt Vorräte an und wartet. Der Film zeigt ihre Reaktion als fast klinisch, eine Sache der Logik statt der Emotion.
Gainsbourg hält mit Dunst Szene für Szene mit, obwohl ihre Rolle zurückhaltender ist. Claires Ruhe ist weniger eine Charakterstärke als vielmehr eine Maske für die Angst. Sie hat ein Leben der Ordnung aufgebaut, und die Vorstellung, dass das Universum es einfach beenden kann, ist für sie entsetzlich. Der Film lässt sie nicht leicht davonkommen. Ihre Stoizismus wird immer wieder auf die Probe gestellt, und am Ende bricht er auf eine Weise, die ebenso verheerend ist wie Dunsts Zusammenbruch.
Die Schwestern zusammen
Der emotionale Kern des Films ist die Beziehung zwischen Justine und Claire. Sie sind entfremdet, kommunizieren kaum, doch die Bedrohung durch den Planeten bringt sie wieder zusammen. Claire besucht Justine in ihrer Wohnung, wo Justine mit Michael und ihrem Hund lebt. Die beiden Frauen sprechen über die Vergangenheit, über ihre Mutter, über die Dinge, die sie verloren haben. Die Gespräche sind leise, unspektakulär und zutiefst bewegend.
Der Film löst ihren Konflikt nicht auf. Er lässt sie einfach beieinander sitzen, in Stille, während die Welt draußen dunkler wird. Das ist eine seltene Art des Erzählens, eine, die dem Publikum zutraut zu fühlen, ohne ihm zu sagen, was es fühlen soll. Die Schwestern versöhnen sich nicht im herkömmlichen Sinne. Sie existieren einfach im selben Raum, teilen dieselbe Luft, bis zum Ende.
Der Planet
Der Antagonist des Films ist kein Bösewicht. Es ist ein Planet, ein massives Objekt aus Gas und Gestein, das sich durch den Weltraum bewegt, ohne Rücksicht auf menschliches Leben. Sein Name, Melancholia, ist eine bewusste Wahl. In der griechischen Mythologie wurde das melancholische Temperament mit Saturn, dem Gott der Zeit und des Schicksals, in Verbindung gebracht. Der Planet ist eine Naturgewalt, gleichgültig gegenüber menschlichem Leid, und der Film behandelt ihn als solche.
Die visuellen Effekte sind sparsam, aber wirkungsvoll. Der Film verwendet weite Einstellungen des Himmels, die sich dem Planeten nähern, und die Bilder sind auf eine Weise schön, die wirklich erschreckend ist. Der Film versucht nicht, die Wissenschaft hinter der Kollision zu erklären. Er zeigt einfach, wie das Licht heller wird, die Sterne verblassen und der Boden bebt. Der Schrecken liegt nicht im Spektakel, sondern in seiner Unvermeidlichkeit.
Die Zeitlupe
Der Film beginnt mit einer Abfolge von Zeitlupenaufnahmen. Pferde stürzen, Vögel taumeln, Schmetterlinge treiben. Diese Bilder sind nicht narrativ. Sie sind eine Stimmung, ein Gefühl des Grauens, das der Geschichte vorausgeht. Die Sequenz ist abstrakt und gibt den Ton für alles Folgende vor. Der Film interessiert sich nicht für Action. Er interessiert sich für Atmosphäre.
Die Zeitlupe kehrt im gesamten Film zurück, oft an Schlüsselmomenten des Übergangs. Ein fliegender Vogel, ein fallendes Blatt, ein vorbeifahrendes Auto. Jede Aufnahme ist ein Fragment eines größeren Ganzen, ein Moment, der das Gefühl einfängt, in einer Welt am Leben zu sein, die kurz davor steht zu sterben. Die Technik ist ein Markenzeichen von von Triers Stil, und sie funktioniert hier, weil der Film bereit ist, ein Bild lange zu halten und das Gewicht des Bildes sinken zu lassen.
Der Soundtrack
Die Filmmusik ist minimalistisch. Es gibt Musik, aber sie wird sparsam eingesetzt. Das Sounddesign ist wichtiger. Der Film setzt Stille als Waffe ein und schneidet in entscheidenden Momenten den Dialog weg, damit der Umgebungslärm der Welt die Oberhand gewinnt. Das Geräusch von Wind, von Wasser, von fernem Verkehr wird selbst zu einer Figur.
Der Film verwendet auch eine klassische Komposition, die während einer Schlüsselszene mit Claire gespielt wird. Die Musik schwillt an, und die Wirkung ist kraftvoll. Es ist ein Moment der Katharsis, eine Entladung von Spannung, die verdient wirkt. Der Film braucht keine Worte, um seine Ideen zu vermitteln. Er verwendet Textur, Rhythmus und Form, um ein Gefühl zu erzeugen, das Worte nicht einfangen könnten.
Der Vergleich
| Element | Justine (Erster Teil) | Claire (Zweiter Teil) |
|---|---|---|
| Rolle in der Familie | Braut, frisch verheiratet | Ältere Schwester, Ehefrau |
| Emotionaler Zustand | Überwältigt, ängstlich | Ruhig, kontrolliert |
| Verhältnis zur Bedrohung | Direkte Konfrontation | Distanzierte Beobachtung |
| Auftritt | Erschöpft, fragmentiert | Stoisch, gefasst |
| Erzählbogen | Abstieg ins Chaos | Vorbereitung auf das Ende |
Die Tabelle zeigt, wie der Film seinen Fokus zwischen zwei Schwestern aufteilt, die jeweils auf dieselbe Krise auf entgegengesetzte Weise reagieren. Justines Teil ist eine Studie der Auflösung, während Claires Teil eine Studie der Ausdauer ist. Der Film verurteilt keinen der beiden Ansätze. Er präsentiert einfach beide und lässt den Zuschauer sich fragen, welcher besser ist.
Das Urteil
Melancholia ist ein schwieriger Film. Er ist langsam, düster und zeitweise bewusst unangenehm. Er verlangt vom Publikum, im Unbehagen auszuharren, Menschen leiden zu sehen, ohne einfache Antworten zu erhalten. Die Weigerung des Films, seine Figuren zu sentimentalisieren, ist seine größte Stärke. Justine ist keine Heldin. Claire ist keine Märtyrerin. Sie sind einfach Menschen, die ihr Bestes tun, oft scheitern und Momente der Gnade finden, selbst während die Welt um sie herum brennt.
Die letzte Szene des Films ist eine leise. Claire steht draußen, blickt auf den herannahenden Planeten, und der Bildschirm wird schwarz. Es gibt keine Explosion, kein großes Finale. Der Film endet vor dem Einschlag und überlässt es dem Publikum, sich vorzustellen, was als Nächstes kommt. Es ist eine kühne Entscheidung, und sie zahlt sich aus. Das Ende ist keine Auflösung. Es ist eine Frage.
Der Film ist ein Meisterwerk der Stimmung, ein Werk von tiefer Traurigkeit, das sich weigert, tröstlich zu sein. Es ist ein Film über Enden, darüber, wie wir angesichts des Todes zu leben wählen, und über den seltsamen Trost, bei den Menschen zu sein, die wir lieben, selbst während die Welt auseinanderfällt. Er ist nicht für jeden. Aber für diejenigen, die bereit sind, mit seiner Traurigkeit auszuharren, bietet er eine seltene Art von Wahrheit.
8,1 von 10.
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