Rubens Östlunds „Triangle of Sadness“ will zur Satire über soziale Hierarchien und gelingt ihm für die meiste Zeit seiner 147 Minuten weitgehend. Der Film folgt einem Promi-Paar, Carl (Harris Dickinson) und Yaya (Charlbi Dean), die eine Einladung annehmen, auf einem Luxus-Kreuzfahrtschiff zu segeln, das mit dem globalen Reichtum gefüllt ist. Das Schiff wird von einem unberechenbaren, alkoholabhängigen Kapitän (Woody Harrelson) befehligt, und was als Instagram-würdiger Urlaub beginnt, wird katastrophal. Die Überlebenden werden auf einer einsamen Insel gestrandet, wo das eigentliche Thema des Films ans Licht kommt: ein Kampf um Hierarchie und Überleben.
Der Film ist Östlunds englischsprachiges Debüt und kommt mit großem Gewicht. Er feierte seine Premiere auf dem 75. Filmfestival von Cannes, wo er einen achtminütigen Applaus erhielt und mit der Palme d’Or ausgezeichnet wurde. Er erhielt anschließend drei Oscar-Nominierungen, darunter Beste/r Regisseur/in und Bestes Bild, sowie weitere Nominierungen bei den Golden Globes und den BAFTAs. Der Cast liest sich wie eine Liste von Charakterdarstellern, wobei Dolly de Leon, Zlatko Burić, Iris Berben, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Jean-Christophe Folly, Amanda Walker, Oliver Ford Davies, Sunnyi Melles und Woody Harrelson alle an Bord sind.
Trailer, über NEON.
Das Kreuzfahrtschiff als Bühne
Der Film beginnt auf dem Schiff selbst, einem schwimmenden Spielplatz für die Reichen. Die Passagiere sind eine Parade grotesken Privilegs, jeder mehr berechtigt als der letzte. Carl und Yaya sind der Haupteinstiegspunkt des Films, ein junges Paar, dessen Ruhm sie zu kleinen Berühmtheiten gemacht hat. Sie werden eingeladen, auf der Kreuzfahrt mit den Mächtigen zu verkehren, und der Film verbringt einen Großteil seiner Anfangszeit damit, ihre Unbeholfenheit bei der Navigation durch die sozialen Schichten des Schiffes zu dokumentieren.
Östlunds Regie ist selbstbewusst und oft scharf. Er weiß genau, wann er zurückhalten und wann er vorwärtsdrängen muss, und er vertraut seinen Schauspielern, die Witze zu bringen. Die frühen Szenen knistern vor Energie, und die Satire landet mit einem dumpfen Knall. Das zentrale Konzept des Films ist, dass die Ozeanreise ein Mikrokosmos der globalen Gesellschaft ist, und das Schiff wird zur Bühne für einen größeren Konflikt.
„Herzlich willkommen an Bord.“
Diese Schlagzeile ist die Leitphilosophie des Films. Sie lockt das Publikum ein und verschließt dann unverzüglich die Tür hinter ihm. Der Film ist nicht entschuldigend in seinem Verachtung für seine Protagonisten, und diese Haltung ist ansteckend.
De Leons Darstellung
Dolly de Leon spielt Abigail, eine Besatzungsmitglied des Schiffes, die in einer unglücklichen Ehe gefangen ist. Ihre Leistung ist der Motor der zweiten Hälfte des Films. Während die Überlebenden auf der Insel um ihr Überleben kämpfen, verändert Abigails Perspektive die Dynamik. Sie ist kein Opfer, sondern eine Überlebende, und ihre Anwesenheit zwingt die anderen, ihre eigenen Hierarchien zu konfrontieren.
Die Oscar-Nominierung des Films für das beste Originaldrehbuch ist mehr als verdient. Östlunds Drehbuch ist schlank und pointiert, voller scharfer Beobachtungen über Macht und Status. Der Dialog ist natürlich, ohne es zu sein, und er fängt die Art und Weise ein, wie Menschen sprechen, wenn sie versuchen, ihre Position aufrechtzuerhalten.
Der Nebencast ist durchweg exzellent. Zlatko Burić spielt Dimitry, einen wohlhabenden Geschäftsmann, der sowohl lächerlich mächtig als auch lächerlich schwach ist. Iris Berben spielt Therese, eine Frau, die ständig unterschätzt wird. Amanda Walker spielt Clementine, eine Frau, die ständig unterschätzt wird. Oliver Ford Davies spielt Winston, einen Mann, der ständig unterschätzt wird. Sunnyi Melles spielt Vera, eine Frau, die ständig unterschätzt wird.
Der Kampf auf der Insel
Im mittleren Abschnitt des Films verliert er etwas an Schwung. Der Übergang vom Kreuzfahrtschiff zur Insel ist abrupt, und die Satire wird abstrakter. Der Kampf um die Hierarchie ist eine überzeugende Idee, aber der Film hat manchmal Schwierigkeiten, sie in konkrete Einsätze zu verwandeln. Die Charaktere beginnen, sich weniger wie Individuen und mehr wie Zahnräder in einer Maschine zu fühlen.
Die Oscar-Nominierung des Films für den besten Film ist überzogen. Der Film ist ein starkes Werk, aber nicht ein großartiges. Er ist zu uneven, um diese Art von Anerkennung zu rechtfertigen. Die Nominierung für die beste Regie ist eher gerechtfertigt, da Östlund eindeutig weiß, was er hinter der Kamera tut.
Der Film erreichte eine bescheidene Leistung an den Kinokassen. Er erzielte weltweit über 32,8 Millionen Dollar, was respektabel, aber nicht spektakulär ist. Diese Zahl verrät uns etwas darüber, wie das Publikum auf die Botschaft des Films reagiert hat.
Die Grenzen der Satire
Die Satire des Films ist sein stärkstes Kapital, aber auch seine Schwäche. Der Film ist am besten, wenn er konkret ist, und am schlechtesten, wenn er abstrakt wird. Die Satire ist oft plump, und sie kann sich weniger wie eine Kritik und mehr wie ein Keulchen anfühlen. Der Film ist unverschämt gemein, und diese Gemeinheit ist Teil seines Reizes, aber sie kann auch erschöpfend sein.
Die Oscar-Nominierung des Films für die beste Nebendarstellerin (für de Leon) ist überzogen. De Leon ist ausgezeichnet, aber sie ist nicht der Grund, warum der Film funktioniert. Der Film funktioniert wegen seiner Ideen, nicht wegen seiner schauspielerischen Leistungen.
Die Nominierung des Films für den besten Film – Musical oder Komödie bei den Golden Globes ist überzogen. Der Film ist ein Drama, nicht eine Komödie. Der Film ist eine Satire, nicht ein Musical. Der Film ist ein ernstes Werk, nicht ein leichtes.
Das Urteil
Triangle of Sadness ist ein fehlerhafter, aber ambitionierter Film. Es ist eine Satire mit Zähnen, und sie ist bereit, zu beleidigen, um ihren Punkt zu machen. Der Film ist am besten, wenn er konkret ist, und am schlechtesten, wenn er abstrakt wird. Es ist ein Film, der Aufmerksamkeit belohnt, selbst wenn er sie verlangt.
Die Oscar-Nominierungen des Films sind ein zwiespältiges Ergebnis. Die Nominierung für den besten Film ist überzogen, die Nominierung für den besten Regisseur ist verdient, und die Nominierung für das beste Originaldrehbuch ist wohlverdient. Der Empfang des Films in Cannes ist ein Beweis für seine Stärke, und seine Kinokassenzahlen sind eine Erinnerung an seine Grenzen.
Der Film ist einen Besuch wert, aber er ist kein Meisterwerk. Es ist ein Film, der wegen seiner Ideen in Erinnerung bleiben wird, nicht wegen seiner Umsetzung. Es ist ein Film, der noch Jahre lang diskutiert werden wird, aber er wird nicht der Film sein, der Östlunds Karriere definiert.
Der Film erhält eine Bewertung von 6,3 von 10.
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