Elisa Esposito, gespielt von Sally Hawkins, ist eine Reinigungskraft in einem geheimen Regierungslabor in Baltimore im Jahr 1962. Sie ist stumm, isoliert von ihren Kollegen und lebt allein mit einem Aquariumfisch und einer Menagerie kleiner Tiere. Ihr Leben bleibt ruhig, bis ein seltsames amphibisches Wesen am Labor ankommt. Das Wesen, gespielt von Doug Jones, wird gefangen genommen und in einem Tank ausgestellt. Elisa sieht es anders als jeder andere. Sie schaut über seine Andersartigkeit hinweg und sieht einen Mitmenschen, einen Menschen, der Mitleid braucht.
Das ist die gesamte Handlung von The Shape of Water, und sie trägt den Film von Anfang an bis zum Ende. Der Regisseur Guillermo del Toro baut eine Fabel über Verbindung, Stille und den einfachen Akt, jemanden als Mensch zu sehen. Der Film ist eine Märchenhandlung, gesetzt in einer Kalten-Krieg-Bunker-Welt, mit Romantik, Spannung und einem Wesen, das sich mehr wie ein Traum anfühlt als wie ein Monster. Er ist auch eine politische Parabel über Angst und Ausschluss, verkleidet in großäugigem Wunder.
Trailer, via SearchlightPictures.
Doug Jones und die Gestaltung des Wesens
Doug Jones spielt das amphibische Wesen mit einer physischen Grazie, die den gesamten Konzept verkauft. Er bewegt sich wie Wasser, seine Hände und Füße krümmen und spreizen sich auf Weise, dass er sich lebendig anfühlt statt gummiartig. Die Kostümgestaltung, von Luis Seixeiro, verwandelt ihn in eine lebende Statue, einen Mann, bedeckt mit Schuppen, der Luft atmen und durch Wasser gleiten kann. Er ist keine Bedrohung, obwohl das Labor ihn als solche behandelt. Er ist ein Gefangener, und Elisa ist die einzige Person, die bereit ist, ihn als etwas anderes zu sehen.
Sally Hawkins hält den Film zusammen. Sie muss alles durch Mimik, Haltung und Gestik vermitteln, da sie nicht sprechen kann. Hawkins findet einen Weg, Elisas Stummheit wie eine Superkraft erscheinen zu lassen, anstatt als Behinderung. Sie beobachtet, hört zu und versteht, und der Film vertraut ihr genug, um Szenen ohne Dialog sitzen zu lassen. Das Ergebnis ist eine Darstellung, die sich wie ungezwungen anfühlt, selbst wenn sie enorme Kontrolle erfordert.
Der Name des Wesens wird nie laut ausgesprochen, und auch Elisas Name nicht. Das Film arbeitet mit Vornamen und Spitznamen, was seinem Märchelogik entspricht. Das Wesen ist einfach der Mann im Tank, und Elisa ist die Frau, die aufräumt. Diese Anonymität ist bewusst. Die Geschichte geht nicht so sehr um Individuen wie um Typen: die einsame Person, der Außenseiter, der Geiselnehmer, der Beschützer.
Elisas Wohnung und der Kontrast des Labors
Elisas Wohnung ist selbst ein Charakter. Sie ist klein, warm und voller Leben. Es gibt einen Goldfisch in einem Topf, eine Katze, eine Eidechse und ein Vogel. Jedes Tier verkörpert eine Art von Trost, eine kleine Welt, die sie kontrolliert. Das Labor dagegen ist kalt, steril und voller Angst. Die beiden Räume könnten nicht unterschiedlicher sein, und das Film verwendet sie, um zu zeigen, was Elisa verliert, wenn sie ihre Wohnung verlässt, und was sie gewinnt, wenn sie das Wesen zurückbringt.
Octavia Spencer spielt Zelda, Elisas Nachbarin und beste Freundin. Zelda ist laut, gesprächig und leidenschaftlich beschützend gegenüber Elisa. Sie ist die Stimme des gesunden Menschenverstands in einer Geschichte, die oft ins Surreale abdriftet. Ihre Szenen sind einige der lustigsten im Film, aber sie tragen auch den emotionalen Gewicht der Treue. Wenn Elisa Hilfe braucht, ist Zelda da, selbst wenn die Gefahr übernatürlich ist.
Richard Jenkins spielt Mr. Strickland, den Chefwissenschaftler des Labors. Er ist ein Bürokrat, der glaubt, er täte das Richtige, aber er ist auch grausam. Er sieht das Wesen als Waffe, Werkzeug, Probenstück. Seine Szenen mit Doug Jones sind angespannt, und Jenkins spielt die Rolle mit einer kalten Effizienz, die ihn entsetzenswert macht, ohne jemals seine Stimme zu erheben. Er ist der Bösewicht, aber das Film macht ihn niemals kariös. Er ist nur ein Mann, der seine Arbeit tut, und das ist was ihn gefährlich macht.
Die Romanze zwischen Elisa und dem Wesen
Die Beziehung zwischen Elisa und dem Wesen ist der Motor des Films. Sie ist eine Romanze auf gegenseitigem Verständnis, nicht auf Sprache. Sie kommunizieren durch Berührung, durch Klang, durch den Rhythmus ihrer Bewegungen. Elisa lehrt das Wesen zu singen, und das Wesen lehrt sie zu fühlen. Das Film erklärt nie, wie sie verbunden sind. Er zeigt sie einfach verbunden, und das reicht.
Michael Shannon spielt Colonel Richard Strickland, den militärischen Offizier, der die Fangung des Wesens überwacht. Er ist ein Tyrann, ein Mann, der Macht genießt und Schwäche verabscheut. Er ist es, der das Wesen zerstören will, und er ist es, der vor nichts zurückschreckt, um es zu erreichen. Shannon spielt ihn mit einem Grinsen, das sowohl komisch als auch erschreckend wirkt. Er ist das Gegenteil von Elisa, und der Film nutzt ihre Opposition, um seine Botschaft über Mitgefühl und Grausamkeit zu machen.
Der Film bietet auch eine kurze Erscheinung von Michael Stuhlbarg als Dr. Robert Denham, einem Wissenschaftler, der das Wesen studiert. Er ist ein Gegenstück zu Strickland, ein Mann von Neugierde statt von Eroberung. Er sieht das Wesen als Wunder, nicht als Waffe. Seine Szenen sind kurz, aber wirksam, und sie geben dem Film einen moralischen Mittelpunkt über Elisas Güte hinaus.
Die politische Unterströmung
The Shape of Water ist nicht nur eine Liebesgeschichte. Es ist auch eine politische Allegorie über den Kalten Krieg, über Angst, und über die Art, wie Regierungen das Seltsame und das Fremde behandeln. Der Film zieht Vergleiche zwischen der Behandlung des Wesens und der Verfolgung von Homosexuellen, von Immigranten, von jedem, der nicht in die Norm paßt. Es ist eine Geschichte über das Sehen eines Menschen für das, was er ist, nicht nach dem, wie er aussieht.
Der Film ist auch eine Kritik an Bürokratie. Das Labor wird von Regeln, nicht von Mitgefühl, geleitet. Das Wesen ist ein Projekt, ein Ziel, eine Sache zu erreichen. Die Menschen, die dort arbeiten, sind Zahnräder in einer Maschine, und die Maschine ist gleichgültig gegen ihre Menschlichkeit. Elisa ist diejenige, die diese Maschine bricht, nicht durch Gewalt, sondern durch Liebe.
Die Musik, von Alexandre Desplat, ist eine Mischung aus sanftem Klavier und orchestraler Breite. Sie anschwellt während der romantischen Szenen und zieht sich zurück bei den leiseren. Sie überwältigt nie die Bilder, und sie sagt einem nie, was man fühlen soll. Sie unterstützt einfach die Geschichte, gibt ihr eine Dimension ohne ihre Intimität zu verlieren.
Die Flucht und das Ende
Der dritte Akt von The Shape of Water ist der, wo der Film seinen Platz verdient. Das Wesen wird gefangen, und Elisa muß handeln. Sie führt eine mutige Flucht, unterstützt von Zelda und Dr. Denham. Die Szene ist angespannt, schön gechoreographiert, und echt aufregend. Es ist eine Jagdszene, die sich mythisch anhört, wie etwas aus einem Volksmärchen.
Die Endung ist unbestimmt, und das ist die richtige Wahl. Der Film löst den Konflikt nicht sauber auf. Er lässt das Schicksal des Geschöpfes offen, was passend zu einer Geschichte über Akzeptanz ist. Das finale Bild ist ein Versprechen von Hoffnung, nicht eine Aussage von Sieg. Es bleibt als Notiz zurück, und es belohnt den geduldigen Zuschauer.
Der Film ist nicht perfekt. Einige der Nebenfiguren fühlen sich unterentwickelt an, und das Tempo zögert im Mittelteil. Aber die Stärken überwiegen die Schwächen. Die Darstellungen sind stark, die Regie ist selbstbewusst, und die Themen werden mit Sorgfalt behandelt.
Was am Besten funktioniert
Hier ist, was hervorsticht:
- Die Chemie zwischen Sally Hawkins und Doug Jones. Ihre Szenen zusammen sind der Herzschlag des Films, und sie verfehlen nie einen Beat.
- Die Gestaltung des Geschöpfes. Es ist ein praktischer Effekt, der hält, ein echtes Geschöpf, das gelebt wirkt anstatt digital.
- Die Verwendung des Schweigens. Hawkins‘ Stummheit ist eine ständige Präsenz, und der Film ehrt sie durchgehend.
- Der politische Untertext. Die Kriegszeit-Setting ist nicht nur Dekoration; es formt jede Entscheidung in der Geschichte.
- Die Endung. Es ist eine gewagte Wahl, die das Publikum nicht für dumm voraussetzt.
Es gibt auch Raum für Verbesserung. Der Text lehnt sich manchmal auf Zufall, und die Motive des Bösen könnten klarer gemacht worden sein. Aber diese sind kleine Klagen in einem Film, der so viel richtig macht.
The Shape of Water ist eine seltene Sache: ein kommerzieller Erfolg, der auch ein künstlerisches Triumph ist. Es gewann drei Oscar-Award, inklusive Best Picture, Best Director und Best Actress für Hawkins. Diese Anerkennung war verdient. Der Film erinnert daran, dass große Ideen und kleine Freuden in derselben Geschichte koexistieren können, und dass ein Märchen etwas Wahres über die Welt sagen kann.
Die Botschaft des Films ist einfach: sieh Leute. Schau unter die Oberfläche, unter den Etikett, unter die Angst. Das Geschöpf ist kein Monster. Er ist ein Mann, und er verdient Liebe. Elisa sieht das, und der Film fordert uns, es auch zu sehen.
Punktzahl: 8,7 von 10
